A atual década foi emblemática na minha vida: comecei em 2010 a me dedicar à Sétima Arte, então acompanhei de perto os rumos que a arte tomou no período. Foram centenas de filmes vistos e aqui listo (ou tento listar) meus 100 filmes favoritos da década. É claro, fazer uma lista definitiva beira a impossibilidade: segundo o Letterboxd, maior banco de dados de Cinema do mundo, foram quase 159 mil filmes lançados nos últimos 10 anos (quase o dobro da década anterior), ou seja, humanamente impossível assistir a todos.
Todos os anos, sempre busquei assistir aos principais filmes e, claro, buscar pérolas que passassem longe da grande rede de distribuição, afinal, aquele filme da Zâmbia que mal vê a luz do sol é capaz de ser muito melhor que um blockbuster hollywoodiano - e sempre afirmei que é papel da crítica dar luz a filmes que não possuem o dinheiro para chegar tão longe.
Os critérios de seleção da lista foram os seguintes: filmes com estreias em solo brasileiro de 2010 a 2019 - seja cinema, Netflix e afins -, ou seja, haverá nomes com a data de 2009 que só chegaram aqui no ano seguinte, assim como terá filmes de 2019 indo para a próxima década; ou que chegaram na internet sem data de lançamento prevista, caso contrário, seria impossível montar uma lista coerente, tendo em vista a dinâmica do mercado no nosso país. Importante pontuar que aqui há filmes que estreiam no comecinho de 2020, porém já entram aqui por ter distribuição limitada ainda em 2019. E não se preocupe, todos os textos são livres de spoilers para não estragar sua experiência. Aqui está a lista com os 100 no Letterboxd para você ver quantos já assistiu e já escolher o próximo - se já tiver visto todos, conte comigo para tudo.
33. Garota Exemplar (Gone Girl), 2014
Direção de David Fincher, EUA.
"Garota Exemplar" conta a história de Amy, a tal garota exemplar do título (interpretada por uma insana Rosamund Pike), uma mulher que desaparece no seu aniversário de casamento. O principal suspeito? Nick (o sempre expressivo Ben Affleck), seu marido, que nega veemente estar por trás do sumiço da esposa. Só podemos contar até aqui porque o filme é uma verdadeira montanha-russa que vai arrancar sem piedade o máximo de adrenalina do seu pâncreas. O começo do filme, com a construção da relação do casal protagonista, pode parecer lenta, porém, quando Fincher joga esse didatismo pela janela, cria um filme exuberante, irônico, cheio de personagens cínicos e inescrupulosos que brincam com o espectador perversamente e deveria no mínimo render um Oscar de "Melhor Atriz" para Pike.
32. A Forma da Água (The Shape of Water), 2017
Direção de Guilhermo Del Toro, EUA.
O mais novo vencedor do Oscar de “Melhor Filme” – e um dos mais merecidos títulos da década, “A Forma da Água” é uma triunfal realização ao dar veracidade a um dos amores mais estranhos já feitos no Cinema. Reavendo um período clássico da Sétima Arte, a produção tanto homenageia uma época como distorce padrões ao usar estereótipos em prol de discussões sociais importantes. Milagre visual com um dos finais mais violentamente arrebatadores do ano, eis uma fita sobre excluídos, marginalizados e sem voz. Quando os mocinhos são uma trupe formada por uma mulher muda, uma negra, um homem gay e uma criatura anfíbia da Amazônia, enquanto o vilão é o homem branco americano, é a conclusão de que Del Toro fez um filme político de forma mágica e encantadora. “Incapaz de distinguir sua forma, eu te encontrei todo ao meu redor”.
31. Mommy (idem), 2014
Direção de Xavier Dolan, Canadá.
"Mommy", quinto filme de Dolan, retoma o tema do primeiro dele, "Eu Matei Minha Mãe", retratando o relacionamento conturbado de Steve, o filho, e Die, a mãe. O garoto, cheio de transtornos mentais, toca o terror onde passa, dificultando a vida da mãe. A situação muda quando eles conhecem Kyla, sua vizinha, que passa a integrar a família. O filme usa de uma sacada visual sensacional: a maior parte dele se passa dentro de um quadrado. Não temos a tela cheia, apenas um quadrado, refletindo a situação claustrofóbica e tensa dos personagens. Quando eles conseguem algum momento de paz, a tela literalmente se abre, num efeito belíssimo que consegue deixar uma marca visual sem precedentes. Fora isso, as atuações perfeitas do trio protagonista juntamente com o roteiro afiado e emocionante compõem um filme gigante. Ah, e tem Lana Del Rey na trilha.
30. A Separação (Jodaeiye Nader az Simin), 2011
Direção de Asghar Farhadi, Irã.
O filme que catapultou a carreira de Asghar Farhadi - e que lhe rendeu o primeiro dos dois Oscars de "Filme Estrangeiro" -, "A Separação" conta a história de um casal que atingiu um ponto no casamento que os levará para caminhos distintos: a esposa quer se mudar com a filha, enquanto o marido anseia ficar para cuidar do pai. Só que, dentro da sociedade iraniana, essa separação não é apenas uma assinatura em um papel. As tênues camadas criadas por Farhadi a partir de uma premissa simplérrima são provas de seu domínio cinematográfico quando tudo é tão perfeitamente amarrado com críticas construtivas à sociedade e à religião.
29. Parasita (Gisaengchung), 2019
Dirigido por Bong Joon-ho, Coreia do Sul.
"Parasita" é um dos cumes de 2019 quando cria uma sessão bizarramente divertida sem, jamais, em momento algum, deixar com que o estudo social saia do ecrã: uma família pobre monta um engenhoso plano para entrar na casa (e na vida) de uma família rica, o que vai permanentemente mudar os rumos de todos. Com um lindo malabarismo de gêneros, o filme enfia a faca em um sistema que fundamentalmente existe ao por um camada acima de outra, o que tira a dignidade do ser humano, predestinado a cometer ações terminais que comprovam o insucesso da separação entre burguesia e marginalizados. Talvez a melhor (e mais insana) luta de classe que tivemos no Cinema nessa década - e aqui estamos falando tanto no sentido figurado como no literal.
28. Miss Violência (Miss Violence), 2013
Direção de Alexandros Avranas, Grécia.
"Miss Violência" já começa estranho: é aniversário de uma garota. A família está toda feliz na festa quando a menina vai até a sacada, olha pra câmera, ri e se suicida. Por que ela fez isso? Por que a família parece tentar esquecê-la e seguir em frente? Há, de fato, algum segredo ali? Essa são perguntas que imediatamente brotam logo no início do filme e vão lentamente se desenrolando no decorrer do mesmo, mas saiba: esse decorrer é penoso e forte, com algumas cenas nada digeríveis e até ofensivas para alguns, então assista sabendo o que enfrentará. Mais um mundo familiar austero grego, "Miss Violência" quebra os alicerces dessa instituição perfeita com cenas revoltantes e bizarras onde a violência é a causa e solução de todos os problemas.
27. Carol (idem), 2016
Direção de Todd Haynes, Reino Unido/EUA
Um ícone do cinema LGBT, "Carol" aposta na sutileza ao exibir o florescimento de um romance lésbico numa época bastante complicada. É natal de 1952 quando Therese (Rooney Mara) conhece Carol (Cate Blanchett). A situação é bastante comum, mas há um "quê" no encontro que as une como ímãs. Carol, na beira de um divórcio, tenta administrar toda sua vida como uma malabarista: seu romance com Therese é estopim para o inflado (ex) marido pedir a guarda total da filha, já que, nos anos 50, lesbianismo era uma "conduta imprópria". O drama é carregado de forma exemplar pelas atrizes, com Blanchett hipnotizando em tela. Dotado de delicadeza invejável, "Carol" não é apenas uma nota, mas uma completa sinfonia de Haynes que compõe com sua câmera um amor oprimido por meio de enquadramentos distantes para nos transpor ao desabrochar daquela relação.
26. Sombras da Vida (A Ghost Story), 2017
Direção de David Lowery, EUA.
C é casado com M e vivem felizes em sua pequena casa. Só que C morre em um acidente, e, ao invés de priorizar o luto de M, David Lowery explana o que acontece com a (pós)-vida de C, agora um fantasma. "Sombras da Vida" (que título nacional horroroso) vai ao mais elementar da mitologia ao redor do fantasma e o traz com o velho lençol branco, revitalizando não apenas a criatura como também a maneira de retratar o luto no cinema. Negando-se a seguir em frente, C se instala em sua casa e observa os passos da ex-esposa até que o choque acontece: ela continua vivendo. Niilista até arrancar a fé do público, "Sombras da Vida" é um lento estudo acerca do ato de permanecer ou não em uma situação de perda. Vale a pena toda a sofrível tarefa que é viver?
25. A Caça (Jagten/The Hunt), 2012
Direção de Thomas Vinterberg, Dinamarca.
“A Caça” é a união irretocável de todos os elementos que fazem o Cinema ser uma arte tão devastadora: um professor é falsamente acusado de pedofilia, mas só ele e o público sabem a verdade. Mads Mikkelsen, numa atuação contida, mas poderosíssima, desenvolve um personagem impressionante, tridimensional e de fácil empatia, que lhe rendeu o prêmio de “Melhor Ator” no Festival de Cannes 2012. Vinterberg, pai do Dogma 95, usa alguns dos elementos crus do movimento para deixar ainda mais documental seu relato, o que só destila ainda mais o turbilhão de sensações regurgitadas na tela. “A Caça” é uma ode ao desconforto, que mexe com as certezas e as dúvidas do espectador – se essa não for uma das mais impressionantes funções do cinema, não sei o que é.
24. Bacurau (idem), 2019
Direção de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles, Brasil.
Uma cidadezinha no interior do Nordeste é assolada com estranhos acontecimentos após a morte da matriarca da região. Se o povo de Bacurau, o vilarejo, dá o sangue para manter sua identidade viva contra quaisquer ameaças, "Bacurau", o filme, é uma dádiva que levanta a mão e grita "o cinema nacional resiste". E mais ainda: o cinema nordestino - que parece ser o polo principal da indústria contemporânea brasileira. Pondo seu local geográfico no protagonismo, é a terra que faz brotar o mandacaru que sabe onde estão os valores mais importantes de uma sociedade, e que não tem medo de descer a peixeira em quem tenta oprimi-la ou apagá-la. No faroeste psicodélico e distópico de "Bacurau", o Nordeste não vai pensar duas vezes antes de cair na capoeira, então não se meta.
23. Suspíria: A Dança do Medo (Suspiria), 2018
Direção de Luca Guadagnino, EUA/Itália.
Remake do clássico de Dario Argento, lançado em 1977, a empreitada pós "Me Chame Pelo Seu Nome" de Guadagnino abandona o compromisso com a trama do original e cria uma película própria, seguindo apenas a premissa: uma dançarina americana chega à uma escola de balé em Berlim que é controlada por bruxas. As atuações, os diálogos e todos os aspectos visuais de "Suspíria" são irretocáveis, todavia, o melhor é sua atmosfera. Há imagens de beleza irretocável ao lado de cenas perturbadoras, emolduradas por uma narrativa onírica que, a partir de sua técnica, tem a capacidade de transformar o mundo físico em algo etéreo e narcotizante. Dotado de pretensão para dar e vender, "Suspíria" consegue ser traduzido por um diálogo proferido aos berros: "Isso não é vaidade, é arte!".
22. Que Horas Ela Volta? (idem), 2015
Direção de Anna Muylaert, Brasil.
A maior obra-prima do nosso cinema nessa década e pilar central dos novos rumos que viriam a seguir, "Que Horas Ela Volta?" transcende a barreira regional para entrar no panteão internacional ao unir uma história que tanto reflete as rachaduras da nossa sociedade quanto universaliza seus dramas. Carregado por uma louvável atuação de Regina Casé, que não assustaria caso fosse indicada ao Oscar, a obra escancara nossa cultura da servidão ao jogar com papéis hierárquicos e como devemos urgentemente rever a existência do quartinho da empregada, reclusa nos corredores da casa grande. Jessica, conte conosco para tudo.
21. La La Land: Cantando Estações (La La Land), 2016
Direção de Damien Chazelle, EUA.
Caso você tenha vivido no planeta Terra em 2016/17, é praticamente impossível você não ter ouvido falar de "La La Land". O musical de maior sucesso do século (até o momento) pode ter visto o Oscar de "Melhor Filme" escorrer pelas suas mãos, porém nada chega próximo de apagar o brilhantismo que é sua realização. Seguindo um casal de artistas que se apaixonam enquanto vislumbram suas próprias artes desabrocharem, aqui temos uma obra puramente cinematográfica. Não só pelas sequências musicais filmadas sem cortes com explosões de cores, mas também por ser um manifesto de amor à Sétima Arte e às várias que ela abrange. “La La Land” é belíssimo, mesmo que ao término da sessão arranque seu coração e pise em cima.
20. Depois de Lúcia (Después de Lucía), 2012
Direção de Michel Franco, México.
Depois da morte da mãe, uma garota e seu pai decidem recomeçar a vida em um novo lugar. Na escola, a menina é atormentada em segredo, já que ela não ousa contar ao pai por ele já carregar o peso da morte da esposa. O que ninguém espera é que esse silêncio vai arruinar a vida de todo mundo. Franco, em seu ápice criativo, estuda a facilidade da destruição humana por meio dos artefatos modernos que a agilizam em todos os aspectos possíveis. "Depois de Lúcia" é cruel e, mesmo podendo soar gratuito, é conduzido com força o suficiente para justificar cada escolha. Havia momentos em que tive que fechar os olhos para não ser cúmplice daqueles atos que estão ao nosso redor diariamente.
19. Amantes Eternos (Only Lovers Left Alive), 2013
Direção de Jim Jarmusch, Reino Unido.
O tema vampiresco deu uma saturada nos últimos anos, e, mesmo com exemplares saindo vitoriosos,- nenhum olhar sobre a vida vampira foi tão incrível quanto o de Jarmusch em "Amantes Eternos". Adão e Eva são dois vampiros vivendo a modernidade do século XXI. Mesmo com personalidades opostas, ambos possuem algo em comum: o tédio da vida. Jarmusch disseca de forma genial como seria a vida de seres imortais que já viram as mais diversas gerações e já experimentaram as mais diferentes culturas. O que há mais para se fazer? Como lidar com a futilidade da vida eletrônica e como preservar o tempo que eles vieram? E mais: como se alimentar se vivemos num gigantesco "Big Brother"? Tudo isso cria uma áurea magnética e narcotizante que nos faz adentrar naquela realidade vampira de forma ímpar, harmônica e sempre bela. Não dá para não amar um filme sobre vampiros hipsters.
18. Mãe! (Mother!), 2017
Direção de Darren Aronofsky, EUA.
Um dos filmes mais controversos e divisores de opinião da década, "Mãe!", um live-action das escrituras sagradas, possui uma forte mitologia, mas não se trata de monstros ou elementos sobrenaturais. O horror é feito pelas nossas próprias mãos, e poucas obras são capazes de fomentar o pavor que é a sessão servida por "Mãe!". Bebendo largamente da fonte bíblica, Aronofsky consolida seu nome na arte e realiza mais um imperdível - e sim, pretensioso - capítulo de sua cinematografia, que, apesar de não ser um filme para todos os públicos, é inesquecível pelas imagens e discussões, com a exclamação do título sendo um pequeno aviso para o que está por vir. Não senta na piaaaaa!
17. Animais Noturnos (Nocturnal Animals), 2016
Direção de Tom Ford, EUA.
Utilizando-se de uma narrativa tripla, "Animais Noturnos" disseca o amor de um falido casal através de flashbacks, quando a relação ainda existia; durante o momento presente, quando Susan recebe um misterioso livro; e na adaptação do livro, virando um filme dentro do filme. Mesmo não sabendo de imediato quais os caminhos trilhados pelo casal até a atualidade, o enredo do livro-filme é o contraponto perfeito da vida real da protagonista: cheio de ação, violência e tensão contra a morosidade e melancolia que sua vida chegou. Filmado pelo olhar estético de Tom Ford, o diretor traz toda sua veia estilística do mundo da moda para compor planos milimetricamente perfeitos, contando um drama poderoso sobre fantasmas do passado e como um golpe psicológico pode destruir tão quanto um soco. Uma das maiores vinganças filmadas no cinema.
16. A Bruxa (The Witch), 2015
Direção de Robert Eggers, EUA/Canadá.
Uma família em 1630 é expulsa de sua congregação e obrigada a enfrentar a força do mal no meio de uma floresta. "A Bruxa" trata de muitos subtextos, mas é, acima de tudo, uma celebração do caos. É a regurgitação fidedigna de todos os maiores medos que nós temos: medo da solidão, perda, dor, morte, do mal em si. O filme não é de fato assustador no modo convencional da palavra, é macabro pelas suas metáforas, com algumas passagens perturbadoras que chocam pela crueza e vivacidade do mal. Ainda por cima, é pilar fundamental para a indústria do terror, colocando nos grandes postos um estilo marginalizado aos cinemas de arte e mudando os rumos do gênero.
15. Fronteira (Gräns/Border), 2018
Direção de Ali Abbasi, Suécia.
Uma estranha policial possui o dom de farejar quando pessoas estão cometendo um crime, o que vai desencadear uma corrida policial, a fim de desmantelar uma rede de tráfico sexual e infantil. Indicado ao Oscar de "Melhor Maquiagem", o sueco "Fronteira" funde realismo social com bizarra fantasia, e choca como mundos tão distintos funcionam com perfeição na tela. Fábula que discute o entendimento da natureza - seja a fauna e flora que nos rodeia, seja a nossa própria natureza -, há latente misantropia em seu texto, com um discurso fatalista sobre como pendemos para o pior lado da nossa existência. Aquela mulher que sente o cheiro de culpa é porta-voz dessa obra-prima que surpreende em imagens, sons e mensagens - este é um trabalho original, autêntico e ousado do começo ao fim.
14. Whiplash: Em Busca da Perfeição (Whiplash), 2014
Direção de Damien Chazelle, EUA.
Aqui a história é simples e direta: Andrew é um baterista de 19 anos apaixonado por jazz. Ele é aceito no Conservatório Shaffer, a melhor universidade de música dos Estados Unidos, porém, terá um grande obstáculo pela frente: Terence Fletcher, o maior (e mais temido) maestro da universidade. A força avassaladora de "Whiplash" encontra-se no tripé direção + montagem + atuações. A história é conduzida de forma tão ágil que o filme voa sem nos deixar respirar, impulsionados pelo roteiro cheio de reviravoltas de cair o queixo e uma edição alucinante que nos prega na cadeira. Resultado? A busca foi finalizada com sucesso. NOT QUITE MY TEMPO.
13. Hereditário (Hereditary), 2018
Direção de Ari Aster, EUA.
Em boa parte da duração, parece que "Hereditário" se contentará em ser um filme que, ao invés de produzir medo, vai explanar acerca do seu impacto sobre o ser humano, o que é concreto até chegarmos ao clímax, um pesadelo assustador na tela que não mede limites para catapultar o espectador no meio do pandemônio instaurado. Tudo é milimetricamente justificável, e, por isso, ainda mais aterrador e impactante, parindo diante dos nossos olhos um dos melhores finais da história do cinema de terror – soando ainda mais delicioso quando percebemos que “Hereditário” é o trabalho de estreia de Ari Aster, logo num gênero tão difícil. Daqueles filmes fundamentais não só para o terror como também para o Cinema. "O Exorcista" finalmente encontrou seu filhote no novo século.
12. Projeto Flórida (The Florida Project), 2017
Direção de Sean Baker, EUA.
Quase que completamente esnobado na temporada de premiações – concorreu a apenas UM Oscar –, “Projeto Flórida” é um milagre em audiovisual. Contado através da ótica das crianças, a produção é o retrato agridoce de uma fatia esmagada à margem e varrida para debaixo do tapete: a nova geração de sem tetos. Carregado pela, talvez, melhor performance do ano – de Brooklynn Prince, que tinha SEIS anos durante as filmagens –, seguimos os pequenos criando seus contos de fada para burlarem aquela precária condição, culminando num dos finais mais puros e desoladores já colocados na tela do Cinema. O contraste entre o realismo sufocante que impera sobre os personagens e a magia intoxicante do reino privado moldado pelas crianças é recibo do quão poderoso é esse singelo filme, narrativamente único e esteticamente fabuloso.
11. Direções (Posoki), 2017
Direção de Stephan Komandarev, Bulgária.
"Direções" entra no banco do carona de inúmeros taxistas após um motorista cometer assassinato e suicídio por não conseguir pagar as taxas altíssimas do banco. O crime se espalha rapidamente entre a população, e a classe, numa noite, leva passageiros enquanto discutem o acontecido. O filme de Stephan Komandarev é um road movie búlgaro, porém, poderia estar nas ruas brasileiras: aquela noite é um espetáculo misantropo e entra nas veias urbanas com o intuito de fixar no globo ocular da plateia uma cidade cuja esperança já foi embora. De suásticas nazistas pichadas nas paredes à corrupção impregnada em cada um pelo sistema capitalista, "Direções" é uma irretocável obra-prima que extrai o que há de mais extraordinário no pessimismo artístico, um alerta sobre os rumos que escolhemos enquanto humanidade.
10. O Lagosta (The Lobster), 2015
Direção de Yorgos Lanthimos, Irlanda/Grécia.
Olha mais um do Lanthimos. O filme mais famoso do diretor grego - foi indicado ao Oscar de "Melhor Roteiro Original" (e deveria ter vencido) - retrata um mundo em que é proibido ser solteiro. Caso seu relacionamento falhe, você tem 45 dias no Hotel para encontrar a cara-metade, caso contrário será transformado em um animal da sua preferência e solto na Floresta. Mais um dia qualquer no Cinema. "O Lagosta" brilhantemente brinca com nossas noções de romance e o quanto estamos desesperadamente em busca de alguém para nos tirar da solidão, por mais absurda que seja essa busca. A forma como nos sujeitamos às regras impostas é escancarada de maneira hilária (e preocupante) em "O Lagosta", a prova de seu poder como experiência audiovisual.
9. A Região Selvagem (La Región Salvaje), 2016
Direção de Amat Escalante, México.
O sexo em si é um tabu enorme ainda hoje, mas, muito mais que o ato sexual, a sexualidade especificamente feminina é ainda mais censurada. Homens são quase treinados, desde pequeno, a explorarem sua sexualidade, uma área proibida para o sexo oposto. Com o mexicano "A Região Selvagem", é a vez das mulheres. Quando um meteorito cai na cidade de Alejandra, ela finalmente descobre o prazer nas mãos (ou nos tentáculos) de um alienígena, que rende cenas bizarras pelos gráficos e pela interpretação assustadoramente palpável. Filme com mulheres abraçando suas sexualidades, em que a protagonista se cansa dos machos da mesma espécie e fazem sexo com uma criatura não-humana que consegue satisfazê-la como homem nenhum? Obra-prima.
8. Ela (Her), 2013
Direção de Spike Jonze, EUA.
Você já se apegou a um personagem em alguma série a ponto de amar e chorar por ele? Então, você criou laços com algo que não existe. Essa é a indagação gerada pelo filme "Ela", como o amor realmente funciona. No filme, Theodore, um escritor solitário, compra um novo e moderno sistema operacional de múltiplas plataformas que foi desenvolvido para interagir da forma mais complexa com o dono. O tal sistema é completamente auto-suficiente, feito para atender a todas as necessidades do usuário, tendo praticamente "vontade própria". Autonomeando-se "Samantha", o OS começa a fazer parte integral da vida de Theodore, e este se pega apaixonado por ele. Ou, no caso, por ela. Com trilha sonora bela, direção de arte maravilhosa e com o Oscar de "Melhor Roteiro Original" nas mãos, Jonze cria um clássico instantâneo absolutamente moderno, criativo, instigante, empolgante, apaixonante e, acima de tudo, lindo. Muito lindo.
7. Azul é a Cor Mais Quente (La vie d'Adèle), 2013
Direção de Abdellatif Kechiche, França/Tunísia.
Eu sei. Você provavelmente está me xingando agora. Mas calma, deixa eu explicar. "Azul é a Cor Mais Quente" foi "cancelado" pelas polêmicas ao redor do seu diretor, que já recebeu múltiplas acusações de assédio - inclusive, as atrizes protagonistas já falaram que jamais trabalhariam de novo com Kechiche, mas disseram que amam o resultado final do filme. É uma situação complexa. Porém, ao assistir ao filme meses depois de ele vencer a "Palma de Ouro" no Festival de Cannes, me vi, assim como o júri que premiou o filme, arrebatado por uma das mais poderosas histórias de amor já feitas. Muito bom estarmos atentos à problemática que leva tanta gente a repudiar o filme, contudo, há o trabalho de muita gente talentosa que tem nada a ver com as acusações contra Kechiche. É a verdade difícil de engolir: pessoas problemáticas são capazes de realizar bons trabalhos, e "Azul" é irretocável enquanto arte.
6. A Chegada (Arrival), 2016
Direção de Denis Villeneuve, EUA/Canadá.
Villeneuve, que começou meteoricamente no Canadá, entra nas graças de Hollywood com "A Chegada", todavia não soa óbvio ou clichê ao retirar o propósito maior de seu filme das (sete) mãos dos alienígenas para as mãos humanas: uma linguista é contratada para se comunicar com uma dupla de E.T.s que surgiram em uma gigante nave. "A Chegada" é uma aula de linguística e, acima de tudo, uma reflexiva lição sobre os meandros da vida, com doses generosas de suspense e emoção. Pode parecer supercomplexo num primeiro momento, porém a trama é até simplista. Com “A Chegada”, Villeneuve, que já entregou tantos filmes incríveis, entra para os grandes clássicos ao realizar uma obra-prima que demanda a reflexão da plateia. Mas então, se você visse sua vida toda, do começo ao fim, mudaria alguma coisa?
5. A Gangue (Plemya), 2014
Direção de Myroslav Slaboshpytskyi, Ucrânia.
"A Gangue" é um filme como nenhum outro: é inteiramente "falado" em língua de sinais ucraniana e sem legendas. Você não ouvirá um diálogo. Recheado com cenas impiedosas até culminar num final sem redenção, definitivamente essa não é uma obra para qualquer um por lidar de maneira cruel e até misantropa com a existência humana - não há motivos para continuar acreditando no próximo diante de uma realidade tão animalesca, que não deixa de transmitir toda a sua carga emocional elevadíssima, além de criar sensações únicas para o espectador cúmplice, numa experiência inimaginável. Quem espera um filme feliz deve procurá-lo em outro lugar pois “A Gangue” é um festival de desconforto e niilismo, todavia, concomitantemente, coloca o Cinema num degrau acima ao burlar os limites da arte e conseguir de forma estratosfericamente genial fazer jus ao seu slogan: “O amor e o ódio não precisam de tradução".
4. Moonlight: Sob a Luz do Luar (Moonlight), 2016
Direção de Barry Jenkins, EUA.
O maior vencedor do Oscar de "Melhor Filme" do século, "Moonlight" traça a vida de Chiron em três fases: infância, adolescência e maturidade. Sem querer, pegamos carona nessa jornada e relembramos a nossa própria viagem pela vida, ainda em curso. É inegável que "Moonlight" seja um filme triste, todavia, ao mesmo tempo, é uma obra genialmente bela, tocante e verdadeira. Aqui temos um olhar brilhante de Barry Jenkins sobre temas muitas vezes esquecidos no cinema, mas urgentes, necessários e representativos como o ser gay, o ser negro, o ser periférico, o que solidifica sua inestimável importância social. Porém, você não precisa se enquadrar em algum desses três “seres” para sentir a delicadeza devastadora que “Moonlight” provoca – mas caso se encaixe, essa é uma história para toda uma vida. A de Chiron e a sua.
3. Cisne Negro (Black Swan), 2010
Direção de Darren Aronofsky, EUA.
Um dos seletos filmes de terror a serem indicados ao Oscar de "Melhor Filme" (e, no caso, o vencedor moral da categoria em 2011), "Cisne Negro" tem o desafio de sua protagonista (que deu "Melhor Atriz" à Natalie Portman) de interpretar o papel principal do balé "O Lago dos Cisnes": ela é ideal como o Cisne Branco, o lado puro, mas não consegue exalar o Cisne Negro, o viés fatal. Uma montanha-russa, "Cisne Negro" funciona como metáfora da perseguição artística pela perfeição, e o quanto essa corrida pode nos levar à loucura. Desglamourizando a beleza do balé, há uma verdadeira guerra na cabeça da protagonista, que vai rapidamente ruindo seu psicológico e misturando real e alucinação. É um dos auges do glamour e horror em um filme na década com sequências lendárias. Eu senti... foi perfeito.
2. Demônio de Neon (The Neon Demon), 2016
Direção de Nicolas Winding Refn, Dinamarca.
Uma jovem e virginal garota chega na cidade grande com o sonho de se tornar modelo, e "Demônio de Neon" está para a moda assim como "Cisne Negro" está para o balé. No entanto, o grande editorial de luxo que é o filme de Refn aborda de forma mais brutal e macabra os corredores sujos de inveja e sangue que alimentam (e matam de fome) sonhos e egos, sendo uma psicodélica viagem ao submundo fashion, com requintes técnicos violentamente perfeitos evocando sensações desconcertantes no espectador, forçado a embarcar em loucuras de página de revista. O final, onde o filme empurra todos os limites, culmina numa das mais memoráveis e arrepiantes conclusões da história, a última cereja do bolo grotesco – todavia sempre lindíssimo – trabalho que é “Demônio de Neon”.
1. Dente Canino (Kynodontas), 2009
Direção de Yorgos Lanthimos, Grécia.
Uma família mora longe do centro urbano com um propósito muito definido: os pais controlam a vida dos três filhos a partir de mentiras. A prole jamais pôs os pés fora de casa, acreditando que a vida do lado de fora é proibida, e só ganharão acesso ao mundo exterior quando o dente canino cair (ou seja, nunca). "Dente Canino" imediatamente finca a atenção pelo texto tão estranho e tão cativante. São muitos detalhes na composição daquela bizarra família que solidificam a sessão, uma viagem irretocável que critica o modo de se relacionar da mais antiga instituição que existe, a família. Existem infinitas camadas de estudo que brotam na nossa mente no decorrer do filme, tudo de forma magistralmente simples. Um filme tão poderoso na sua interpretação que nem em mil palavras caberia a genialidade dele.
Cultura pop do jeito que importa.